George Frampton (1860 - 1928)

“Sir George Henry Frampton”
Meredith Frampton, 1919
Nacional Portrait Gallery

Sir George Frampton comenzó su carrera siendo uno de los escultores británicos más vanguardistas del momento. Utilizaba materiales poco convencionales para crear sus esculturas, en una combinación de los estilos Art Nouveau y Simbolismo. Al final de su carrera su trabajo se fue volviendo más tradicional.

Se casó con la pintora Christabel Annie Cockerell y fueron los padres del pintor Meredith Frampton.

Portrait of Meredith Frampton

por Christabel A-Cockerell

Su escultura más conocida es sin duda Peter Pan, situada en los jardines de Kensington, en Londres.

La estatua de Peter Pan en los Jardines de Kensington, fue encargada por el propio James Matthew Barrie (J.M. Barrie), autor de la famosa historia de Peter Pan y erigida en secreto por la noche como una sorpresa en 1912. El resultado dejó decepcionado a Barrie: «No muestra al demonio que Peter lleva dentro», dijo.


J.M.Barrie esperaba que su escultura se pareciera a Michael, uno de los 5 hijos de la familia Llewelyn Davies, posando como un héroe travieso. Cuando vió el resultado final discutió con el escultor George Frampton, que finalmente había utilizado otros modelos para la estatua.

Meredith Frampton (1894 – 1984)

Meredith Frampton (1894 – 1984). Fue un artista conocido especialmente por sus retratos, de tendencia Art Décó, de personajes de la sociedad británica.

Creció en el seno de una familia de artistas: su padre fué el escultor George Frampton, a quien retrató en 1919; su madre, era una pintora de temática paisajista e infantil: Christabell Annie Cockerell (1863- 1951).

Meredith Frampton estudió en la St John's Wood Art School y en la Royal Academy School. Pese a que tuvo una carrera corta y existen pocas obras suyas, está presente en la National Portrait Gallery, en laTate Gallery, Tate Modern y en el Imperial War Museum. Fue nombrado miembro de la Royal Academy en 1942.

King George VI, 1929. National Portrait GalleryPortrait of a young Woman, 1935. Tate Gallery, London
Marguerite Kelsey, 1928. National Portrait Gallery

"Sir Frederick Gowland Hopkins” . Meredith Frampton, 1938.

Nacional Portrait Gallery. Londres

El modelo de éste retrato, es el bioquímico Frederick Gowland Hopkins, que obtuvo el Premio Nobel de medicina en 1929 por su descubrimiento de las vitaminas que estimulan el crecimiento.

Edward Hopper: un americano en Paris.

Edward Hopper había nacido en 1882, en una pequeña ciudad del estado de NuevaYork llamada Nyack, en el seno de una familia baptista de clase media, con fuertes raíces religiosas, conservadoras y puritanas.
A los doce años medía 1’85 cm. era un chico torpe, desgarbado y retraído que pasaba el tiempo dibujando.
El temprano talento de Edward Hopper fué estimulado por su madre, Elizabeth, que cuidando por la futura seguridad económica de su hijo le animó a convertirse en ilustrador comercial. En 1899 ingresó en la New York School of Illustrating, una escuela mediocre que abandonó un año después para ingresar en la New York School of Art, en la que permaneció hasta 1906.
En octubre de ese año viajó a Paris, la meca del arte, la ciudad a la que acudían los jóvenes artistas procedentes de todo el mundo.
En la biografía de casi cualquiera de sus colegas y coetáneos, éste sería el capítulo en el que habría que hablar de bohemia, de vanguardia, de intercambios, de contactos… Pero no fue éste el caso del extremadamente reservado Edward Hopper, que se instaló en Paris, en un apartamento conseguido por sus padres a través de su iglesia, en el número 48 de la Rue de Lille.

Stairway at 48 rue de Lille. Edward Hopper. 1906

Después de su primera estancia en Paris, en 1906, regresó dos veces, en 1909 y brevemente en 1910.

"Oí hablar de Gertrude Stein, pero no recuerdo haber oído hablar de Picasso," sentenció Hopper.
Durante éstas estancias en Europa, visitó también Londres, Ámsterdam, Berlin, Bruselas y Madrid. Rembrandt, Velásquez, Goya, Honore Daumier y Edouard Manet fueron los artistas que más le impresionaron.

"Paris no tuvo un gran impacto en mí”, dijo. Pero años después admitió: “Cuando regresé, América me pareció cruda y poco refinada. Me costó diez años olvidar Europa.”

Steps in Paris, 1906, oleo /tabla, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper)

Notre Dame, No. 2, 1907, oleo/ lienzo, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper)

Le Pont des Arts, 1907, oleo/ lienzo, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper)

Le Bistro or The Wine Shop, 1909, óleo/ lienzo, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper)

Le Pavillon de Flore, 1909, oleo/ lienzo, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper

Le Quai des Grands Augustins, 1909, oleo/lienzo, Collection of the Whitney Museum of American Art, New York, donado en 1970 por Josephine N. Hopper

I Exposición Impresionista. 1874

El próximo 15 de abril se cumplirán 135 años de la inauguración de la exposición que reunió por primera vez la obra de algunos pintores "mal considerados en su momento".
Tuvo lugar en el estudio de pintura del fotógrafo Nadar, en el 35 del Boulevard des Capucines".

WILHELM UHDE

Wilhelm Uhde nació en 1874 en Friedeberg (Alemania; actualmete: Strzelce Krajeńskie, Polonia). Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX, especialmente con el grupo de artistas alemanes que solía reunirse en el café Le Dôme. (En la foto, tomada por Wil Howard en el Dôme, desde la izquierda: Wilhelm Uhde, Walter Bondy, Rudolf Levy y Jules Pascin, dibujando como solía hacer siempre)

Wilhelm Uhde estudió derecho en Munich y en Suiza antes de viajar a Italia, donde se consagró a la historia del Arte y escribió sus primeros ensayos, en los que intentaba conciliar "la vertical greco-alemanade la melancolía y la horizontalidad romana de la satisfacción".
En 1904 se instaló en París, donde "la belleza era omnipresente". Frecuentaba a Erich Klossowski, Ambroise Vollard, Daniel-Henry Kahnweiler, los Stein, etc.

A partir de 1908 comenzó a comprar cuadros de Pablo Picasso - que realizó un retrato de Uhde- y de Georges Braque, todavía desconocidos, para su galeria de Montparnasse.

En 1908 se casó con la pintora Sonia Terk, en un matrimonio de conveniencia que duró hasta que ella conoció a Robert Delaunay, con quien se casó después y pasó a ser conocida en el mundo artistico como Sonia Delaunay.

(Retrato de Wilhelm Uhde. Robert Delaunay, 1907)

Pero en 1914, durante la guerra, fué obligado a abandonar Francia y su magnífica colección fué confiscada por el estado francés - debido a su condición de enemigo alemán- y vendida después.

De regreso a Francia, en 1924, en calidad de apátrida, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores“naifs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis*, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...

De origen judío, sufrió la amenaza de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, de la que logró escapar siendo protegido, durante algunos meses por Jean Cassou.
Murió en Paris en 1947.

(Retrato de Wilhelm Uhde. Pablo Picasso, 1910)

La película SÉRAPHINE, del director Martin Provost, premiada con 7 premios César por la Academia francesa de cine (2009), narra la vida de la pintora Séraphine Louis -conocida también como Séraphine de Senlis- a partir del momento en que Wilhelm Uhde la descubre por casualidad, en 1912, cuando trabajaba como asistenta para él. Compra su obra y la anima a que se dedique a su pasión por la pintura. Pero estalla la I Guerra Mundial y Wilhelm Uhde no puede quedarse en Francia. Cuando por fin regresa en 1927, el destino quiere que vuelva a encontrar a Séraphine...

MAX ERNST: "menudo pájaro"

Max Ernst (1891-1976) podría estar invitado en esta estantería por méritos propios, pero lo está especialmente por venir acompañado de Leonora Carrington, de Peggy Guggenheim, de Dorothea Tanning, de Remedios Varo y de tantas otras de las mujeres artistas, creadoras y creativas, que formaron parte del movimiento surrealista, en cualquiera de sus épocas, lenguajes, idiomas, versiones y variedades, como Dora Maar, Meret Oppenheim, Kay Sage, Gala, Valentine Hugo... y tantas otras.  

Pero si hoy lo traemos es porque la Fundación Mapfre le dedica estos días, en Madrid, una exposición que -a priori- parece interesante:

"Max Ernst: Une semaine de Bonté"

.

Se trata de los collages originales realizados por Max Ernst en 1933 con la intención de publicarlos en forma de novela-collage - Une semaine de bonté -, cortando y pegando imágenes impresas,  ajustando o disfrazándolas, manipulando las realidades –objetos y materiales–  y dándoles una nueva identidad.
La visita a página web que la Fundación Mapfre dedica esta exposición también es muy recomendable y permite conocer brevemente la  biografía/cronología de Max Ernst, acercarse a la técnica minuciosa con la que realizaba sus collages y conocer más en profundidad una de las obras fundamentales del surrealismo.

MÁS:

(enlaces:)

• "Leonora Carrington, Max Ernst y el surrealismo, según Anaïs Nin"
  
• Remedios Varo: blog
  
• Leonora Carrington en la Biblioteca de Mujeres Artistas
  
• RemediosVaro en la Biblioteca de Mujeres Artistas
  
• Surrealismo en la Biblioteca de Mujeres Artistas
  
• Mujeres en el Arte: SURREALISMO 
  

Oswald de Andrade. Manifiesto Antropofágico (extracto)

José Oswald de Sousa Andrade, conocido sencillamente como Oswald de Andrade (1890-1954) fue un poeta, ensayista y dramaturgo brasileño. Fue uno de los promotores de la Semana de Arte Moderno de São Paulo, en 1922, y es uno de los nombres más destacados del movimiento modernista brasileño.

En 1926 se casó con la pintora Tarsila do Amaral, que pintó el cuadro "Abaporu" como regalo de aniversario en 1928. Abaporu, que significa Hombre que come, dió origen al movimiento antropofágico: los artistas brasileños debían devorar influencias extranjeras -europeas principalmente-, digerirlas cuidadosamente y convertirlas en algo nuevo.

El Manifiesto Antropofágico, escrito por Oswald de Andrade, fue publicado en mayo de 1928 en el primer número de la Revista de Antropofagia. En su lenguaje metafórico, repleto de ironía y humor, se entretejen innumerables referencias culturales modernas europeas junto a emblemas culturales y símbolos míticos de la historia del Brasil.

Manifiesto Antropofágico (extracto)

"Sólo la Antropofagia nos une. Socialmente.

Económicamente. Filosóficamente.

Única ley del mundo. Expresión enmascarada de todos los individualismos, de todos los colectivismos. De todas las religiones. De todos los tratados de paz.

Tupí, or not tupí, that is the question.

Contra todas las catequesis. Y contra la madre de los Gracos.

Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre, ley del antropófago.

Estamos cansados de todos los maridos católicos recelosos llevados al drama. Freud acabó con el enigma de la mujer y con otros miedos de la psicología impresa.

Lo que atropellaba a la verdad era la ropa; el impermeable entre el mundo interior y el mundo exterior. La reacción contra el hombre vestido. El cine americano informará.

Hijos del sol, madre de los vivientes. Encontrados y amados ferozmente, con toda la hipocresía de la nostalgia, por los inmigrantes, por los traficados y por los turistas. En el país de la cobra grande (1).

Fue porque nunca tuvimos gramáticas, ni colecciones de viejos vegetales. Y nunca supimos lo que era urbano, suburbano, fronterizo y continental. Perezosos en el mapamundi de Brasil.

Una conciencia participante, una rítmica religiosa.

Contra todos los importadores de la conciencia enlatada.

La existencia palpable de la vida. Y la mentalidad pre-lógica para que la estudie el Sr. Lévy-Bruhl.

Queremos la Revolución de los indios Caraibas. Mayor que la Revolución Francesa. La unificación de todas las revueltas eficaces en la dirección del hombre. Sin nosotros, Europa ni siquiera tendría su pobre declaración de los derechos del hombre.

La edad de oro anunciada por América. La edad de oro.

Y todas las girls.

Filiación. El contacto con el Brasil Caraíba. Où Villegaignon (2) prit terre. Montaigne. El hombre natural. Rousseau.

De la Revolución Francesa al Romanticismo, a la Revolución Bolchevique, a la Revolución Surrealista y al bárbaro tecnificado de Keyserling (3). Caminamos..."

-Oswald de Andrade. Piratininga, Ano 374 da Deglutição do Bispo Sardinha-

Notas


1. La “cobra grande” es una figura mitológica indígena, una boa temida porque voltea embarcaciones y lleva a los náufragos hacia el fondo del río.

2. Nicolás de Villegaignon, almirante francés, desembarcó en el Brasil en 1555 y permaneció allí doce años. En su barco viajó a Europa el “caníbal” que después entrevistó Montaigne.

3. Conde Hermann Keyserling (1880-1946). Filósofo alemán. Viajero infatigable, visitó los cinco continentes y resumió las experiencias y reflexiones de su constante vagar en su obra principal, Diario de viaje de un filósofo (1919).